Arte religioso antiguo: retablos, santos y arte devocional

Voy a decir algo que incomoda a mucha gente en este oficio: el arte religioso antiguo es uno de los campos más ricos, más complejos y más infravalorados del mercado de antigüedades. Y lo es, en parte, precisamente porque incomoda. Hay compradores que no quieren un Cristo barroco en su salón. Hay vendedores que no saben cómo presentarlo. Y hay un debate legítimo sobre la procedencia de piezas que salieron de iglesias y conventos en circunstancias históricas complicadas.

Pero ignorar este mercado es ignorar siglos de producción artística al más alto nivel. La escultura policromada española del XVII y XVIII no tiene equivalente en Europa. Los retablos barrocos son arquitectura, escultura y pintura fundidas en una sola obra. Y el arte devocional popular —santos de vestir, exvotos, relicarios— constituye un patrimonio etnográfico de valor incalculable.

La escultura policromada española: la cumbre

Si hay un ámbito donde España produjo arte de una calidad absoluta e insuperada, es la escultura en madera policromada. Gregorio Fernández en Valladolid, Juan Martínez Montañés en Sevilla, Alonso Cano en Granada, Pedro de Mena, La Roldana... La lista es extraordinaria. Y lo que estos escultores conseguían con madera, yeso, policromía y ojos de cristal sigue siendo, cuatro siglos después, de una intensidad emocional que deja sin palabras.

El Museo Nacional de Escultura en Valladolid alberga la colección de referencia mundial en este campo. Si tienes el más mínimo interés en escultura religiosa española, es una visita obligatoria. Las salas dedicadas a Gregorio Fernández son, para mí, uno de los grandes momentos del arte europeo. Y lo digo después de haber visto la Capilla Sixtina más veces de las que puedo contar.

En el mercado, las obras atribuidas a los grandes maestros son prácticamente inaccesibles para el particular: las pocas que aparecen se mueven en rangos de seis cifras y suelen acabar en museos o colecciones institucionales. Pero el mundo del taller, los seguidores y los maestros regionales ofrece piezas de una calidad asombrosa a precios que sorprenderían a cualquiera. He visto bustos de Dolorosas del XVIII, de taller sevillano, venderse por 3.000-5.000 euros en subastas regionales. Piezas con una calidad de talla y una policromía original que justificarían diez veces ese precio si llevaran un nombre conocido.

Retablos: fragmentos de una totalidad

Los retablos son quizá el género más problemático del arte religioso antiguo, y no por razones artísticas. Un retablo completo es una estructura arquitectónica que puede medir diez metros de alto. Nadie tiene eso en su casa (bueno, casi nadie). Lo que circula en el mercado son fragmentos: tablas sueltas, columnas salomónicas, paneles de banco, calvarios de ático.

La cuestión es: ¿de dónde vienen estos fragmentos? Algunos proceden de demoliciones documentadas del XIX, cuando la desamortización de Mendizábal dispersó el patrimonio de cientos de conventos y monasterios. Otros salieron de iglesias rurales abandonadas durante el éxodo rural del XX. Y otros, hay que decirlo, tienen procedencias más oscuras.

Mi posición es clara: la procedencia importa. No solo por razones éticas, sino porque una pieza con documentación de origen tiene más valor de mercado que una pieza sin ella. Un panel de retablo con una fotografía antigua que lo muestra in situ, o con un recibo de venta parroquial del XIX, vale significativamente más que una pieza idéntica sin contexto.

Santos latinoamericanos vs originales ibéricos

Este es un tema que genera confusión constante. La tradición de la escultura religiosa en madera viajó al Nuevo Mundo con los colonizadores españoles y portugueses, y en América se desarrolló una producción propia —los santos, los bultos, los retablos novohispanos— que tiene características distintas de los originales peninsulares.

Yvonne Lange, en su estudio Santos: Sacred Art of the Americas, documenta cómo la escultura devocional americana desarrolló un lenguaje propio: el uso de maguey y pasta de caña de maíz en México (una técnica prehispánica adaptada a la imaginería cristiana), las figuras de bulto redondo de Quito con su policromía característica, los santos de palo puertorriqueños tallados en cedro con una simplicidad que anticipa el arte moderno.

En el mercado, los santos latinoamericanos han experimentado una revalorización enorme en las últimas dos décadas, impulsada por coleccionistas norteamericanos. Un santo novomexicano del XIX que en 1990 se vendía por 500 dólares puede alcanzar hoy 5.000-15.000 en casas como Sotheby's. Los bultos quiteños del XVIII se mueven en rangos similares. Mientras tanto, la escultura devocional española equivalente —a menudo de calidad técnica superior— sigue siendo más asequible en el mercado europeo. La razón es simple: la demanda americana no cruza el Atlántico con la misma fuerza.

Qué observar al comprar

• Policromía original vs repinte: esta es la cuestión fundamental. Una talla con su policromía original del XVII tiene un valor radicalmente distinto a la misma talla repintada en el XIX. La policromía original muestra craquelado fino, desgaste coherente con el uso y a menudo capas de preparación visibles en las zonas dañadas.
• Ojos de cristal: los ojos de cristal soplado son típicos de la escuela española a partir del XVII. Su presencia y estado (sin grietas, sin desplazamiento) son indicadores de calidad y conservación.
• Madera y soporte: la escultura española usaba pino, nogal y cedro. Las tallas americanas pueden incluir materiales locales. La presencia de carcoma no es necesariamente un problema si está inactiva (agujeros oscuros, sin polvo fresco).
• Peanas y bases: muchas figuras han perdido su peana original. Una peana genuina del mismo período añade valor; una peana posterior no resta, pero debe identificarse como tal.

El arte religioso antiguo no es solo un objeto de mercado. Es un testimonio de la fe, la técnica y la sensibilidad de generaciones enteras. Tratarlo con respeto no es una opción, es una obligación.

El futuro del mercado

Creo firmemente que la escultura religiosa española está infravalorada. Los precios actuales no reflejan la calidad artística de estas piezas, que en muchos casos rivaliza con la escultura italiana del mismo período. A medida que las nuevas generaciones de coleccionistas descubran este patrimonio —desvinculándolo de su función devocional para apreciarlo como lo que también es: arte de primera categoría—, los precios se ajustarán. Quien compre bien ahora tendrá la satisfacción de vivir con piezas extraordinarias y, probablemente, de haber hecho una buena inversión.

Referencias

• Museo Nacional de Escultura, Valladolid. Colección permanente de escultura policromada española, siglos XIII-XVIII.
• Lange, Y. (1998). Santos: Sacred Art of the Americas. Santa Fe: Museum of New Mexico Press.
• Martín González, J. J. (1983). Escultura barroca en España, 1600-1770. Madrid: Cátedra.
• Stratton-Pruitt, S. (2006). The Virgin, Saints, and Angels: South American Paintings 1600-1825. Stanford: Stanford University Press.